El Fantasma de la Ópera, de Andrew Lloyd Webber


INFORMACIÓN

La Banda Sinfónica y el Coro del Liceo Municipal de la Música de Moguer son los grandes protagonistas de este montaje


El “Fantasma de la Ópera” narra la historia de una figura enmascarada que se oculta en las catacumbas de la Ópera de París, ejerciendo un reinado de terror sobre todos los que viven en el lugar. Cae locamente enamorado de una inocente joven soprano, Christine, y se dedica a crear una nueva estrella alimentando su extraordinario talento, utilizando todos los métodos turbios en su poder.

Nunca antes se ha podido escuchar y ver esta majestuosa versión sinfónica del que está considerado como el musical más famoso de todos los tiempos, excepto en el 25 aniversario de la producción, cuando se realizó un único concierto en Londres. De este modo, este proyecto constituye todo un acontecimiento musical de primera magnitud, en cuya producción toman parte más de 200 personas. El montaje irá más allá del formato tradicional de un musical para incorporar una coreografía que convierte también al baile y a la danza en protagonistas del espectáculo.

Este espectáculo, basado en la novela “Le Fantôme de l'Opera”, del periodista francés Gaston Leroux, ha sido considerado el musical más exitoso de todos los tiempos, habiendo sido visto por más de 130 millones de personas en el mundo.

PÁNCREAS de Patxo Telleria


INFORMACIÓN

Dirección Juan Carlos Rubio. ¿Qué serías capaz de hacer por un amigo? Un espectáculo producido por Concha Busto y el Centro Dramático Nacional.

A partir del día 4 de febrero y hasta el 7 del mismo mes, el Teatro Lope de Vega acogerá la obra 'Páncreas de Patxo Tellería', un espetáculo producido por Concha Busto y el Centro Dramático Nacional, bajo la dirección de Juan Carlos Rubio y con Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión en el reparto.

Pepe Bao & Carles Benavent


Chucho Valdés


Pasión Vega: Pasión por Cano




EL BARBERO DE SEVILLA de Gioachino Rossini


INFORMACIÓN

Una de las producciones estelares del Teatro de la Maestranza, “El barbero de Sevilla”, de G. Rossini, con dirección de escena de José Luis Castro y escenografía de los pintores Carmen Laffón y Juan Suárez, regresa  al mismo escenario donde ya se consagró el día de su estreno como la gran producción genuinamente andaluza sobre uno de los títulos más rotundamente sevillanos de la Historia de la Ópera. Inteligencia escénica, elegancia, agilidad y plasticidad escénica para un hito de la comedia lírica vuelven a cobrar vida en conmemoración de los 200 años de su estreno en Roma en 1816. Giuseppe Finzi, director residente de la Ópera de San Francisco, dirige a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza junto a un amplio reparto capitaneado por el ascendente tenor belcantista Michele Angelini y con Elliot Madore, Renato Girolami y Dmitry Ulyanov en los roles estelares.

Rossini (Pésaro, 1792 – París, 1868) concibió su ópera bufa en dos actos a partir del libreto de Cesare Sterbini sobre la comedia original de Beaumarchais, de 1775. Se estrenó el 20 de febrero de 1816 en el Teatro Argentina de Roma. Con su habitual laboriosidad y brillantez, Rossini empleó menos de 3 semanas en concluir la obra capital del género bufo que, en un principio, tituló “Almaviva, osea la precaución inútil”, para distinguirla de la pieza de Paisiello sobre el mismo tema –también usado por Mozart 30 años antes- que gozaba de gran éxito en la época.

Inicialmente, y como consecuencia de una serie de accidentes escénicos que lastraron la función y de las maniobras de Paisiello y sus partidarios para boicotear el título, el estreno de “El barbero de Sevilla” fue un completo desastre hasta el punto de que el desenfreno del público obligó a Rossini a abandonar el teatro: “Yo creía que me iban a asesinar”, comentó. Sin embargo, la segunda función convirtió al título en el mito operístico que constituye hoy.

Una comedia que, básicamente, gira sobre la problemática de los matrimonios a la fuerza que a juicio de Beaumarchais en el siglo XVIII ya debían pasar a la historia, encontró en la Sevilla apagada de la época un decorado coherente para una trama de grandezas y miserias que, por otra parte, enlazaba con la España del Siglo de Oro que Cervantes retrató en, por ejemplo, “El celoso extremeño”, según ha señalado el especialista Jacobo Cortines. La producción de José Luis Castro es un intento por restituir la trama escénica a la verdadera historia y tradición artística de una ciudad tan umbilicalmente unida a un título de ópera, hasta el punto de que, a su llegada a Sevilla, los viajeros románticos pedían ser conducidos hasta la barbería de Fígaro y la casa de Don Bartolo, como si fueran reales.

De “El barbero de Sevilla” sorprendieron sus dimensiones poco habituales en la ópera bufa –un primer acto de unos 105 minutos y un segundo de unos 60- y “y el endemoniado dinamismo que lo invade de principio a fin derrochando una contagiosa alegría”, al decir del mayor experto rossiniano, el director Alberto Zedda, quien subraya la paradoja de que el autor de obras desternillantes y luminosas fuera, en realidad, “un hipocondríaco minado por la depresión nerviosa, acechado por alteraciones elípticas, obligado a llevar una alimentación frugal a causa de unas molestas alteraciones gastrointestinales y lacerado por dudas que afectaban a la esencia misma de su composición”. 

Paradojas de la creación artística. Mito sevillano elaborado por un escritor francés y un compositor italiano, “El barbero de Sevilla” vuelve a los decorados urbanos en los que, de hecho, transcurre 200 años después de su estreno y lo hace consagrada como una de las diez óperas más vistas de la Historia a lomos de momentos estelares –“Largo al factotum”, “Una voce poco fa” o “La calunnia è un venticello” – y un plantel de personajes –Fígaro, Almaviva, Rosina, Don Basilio…- que forman parte del imaginario operístico de cualquier melómano del mundo.

En la estilizada y renovada producción del Teatro de la Maestranza, Giuseppe Finzi, director residente de la Ópera de San Francisco, dirige a la ROSS y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza junto a un amplio reparto capitaneado por el ascendente tenor belcantista Michele Angelini, habitual del Metropolitan Opera o el Convent Garden y con el barítono canadiense Elliot Madore, que llega a Sevilla para cantar un rol, Fígaro, que habrá cantado inmediatamente antes en el Metropolitan Opera de Nueva York; el barítono Renato Girolami, que ha sido Bartolo a las órdenes de Daniel Barenboim y el gran bajo ruso Dmitry Ulyanov en los roles estelares.

LA VOZ Y EL POETA. Ainhoa Arteta



INFORMACIÓN


Soprano: AINHOA ARTETA
Piano: Rubén Fernández Aguirre

El compromiso de la soprano Ainhoa Arteta (Tolosa, 1964) con la música española la ha llevado siempre a alternar sus éxitos internacionales en grandes títulos de Puccini o Verdi con la zarzuela y la canción nacional. Admiradora de grandes poetas como Machado o Pedro Salinas, la curiosidad musical de Ainhoa Arteta, en su gira de 25 años de trayectoria, le ha llevado a homenajear a Federico García Lorca, el poeta español más “musical” de nuestra historia reciente. En “La voz y el poeta”, textos de Lorca puestos en música por él mismo o por Antón García Abril y Xavier Montsalvatge, trenzan un delicado y emocionante viaje a nuestras más profundas esencias musicales y poéticas enarboladas por la soprano española más internacional del momento.

En el recital, Ainhoa Arteta canta acompañada por el pianista Rubén Fernández-Aguirre (Barakaldo, Vizcaya), formado en Viena y Múnich en el acompañamiento especializado de cantantes y pianista habitual de María Bayo o Carlos Álvarez, entre una larga lista de voces españolas o internacionales como Mariella Devia o Cristina Gallardo-Dômas. 

Tras ganar diversos concursos, Ainhoa Arteta inició una fulgurante carrera internacional que la ha llevado a los escenarios del Metropolitan Opera, Carnegie Hall, Covent Garden o Scala de Milán, entre otros muchos, protagonizando La Traviata, Bohème, Faust, Manon o Turandot. Durante sus 25 años de trayectoria, Ainhoa Arteta ha brillado tanto en producciones de ópera, a las que aporta un intenso plus escénico y dramático que multiplica la energía de sus actuaciones contagiando de emoción al público, como en la intimidad del recital de “lied” o de canciones españolas donde resplandece su timbre delicado y matizado. Su visión de la ópera como un espectáculo total más allá de la vocalidad y la música la llevaron a seguir cursos en el Actor´s Studio para fortalecer su faceta de actriz y no solo de cantante. Por otra parte, su compromiso musical también le ha llevado a intervenir en galas de apoyo a los teatros líricos españoles que atraviesan dificultades financieras a consecuencia de la crisis económica.

Ainhoa Arteta ha sido distinguida con numerosos premios de, entre otros, la Hispanic Society of America, la Fundación Autor, el Palau de la Música de Valencia o el Premio Ondas. El recital incluye un amplio paseo por la obra poética y musical de Federico García Lorca. Piezas de las “Canciones españolas antiguas”, puestas en música por él mismo –“El café de Chinitas”, “Nana de Sevilla” o “Zorongo”, “Anda jaleo”, “Los cuatro muleros” o las “Sevillanas del siglo XVIII”- junto a “Tres canciones españolas” puestas en música por Antón García-Abril o un tríptico de textos –“Por el aire van”, “De Cádiz a Gibraltar” y “A la flor, a la pitiflor”- musicadas por Jesús García Leoz se mezclan con las extraordinarias “Canciones para niños” que Xavier Montsalvatge compuso sobre seis textos de Lorca o las versiones de Miquel Ortega de las delicadas “Memento”, “Romance de la luna, luna” o “La canción del jinete”. En el recital, se oyen también las voces de Paco Rabal y Rafael Alberti declamando célebres lorquianos a manera de transición entre canciones.

En definitiva, un homenaje a la etapa más rotunda y florecientemente musical –la Generación del 27- de la última poesía española sobre textos de su autor más lírico y brillante.